L’été ciné 2018 – Film #7 : Thelma et Louise (1991)

L’été ciné 2018 – Film #7 : Thelma et Louise (1991)

Thelma et Louise, roadtrip féminin et féministe cultissime réalisé par Ridley Scott, sort en 1991. Non content d’être le film qui nous fera découvrir Brad Pitt au grand public,  il a raflé au passage un Oscar et un Golden Globe pour le meilleur scénario original la même année.

Le film met en scène deux copines, Thelma (Geena Davis) et Louise (Susan Sarandon),  qui, pour échapper à leurs conjoints, décident de partir en week-end toutes les deux.

A la suite d’une soirée arrosée dans un bar de cow-boys, un homme essaie de violer Thelma qui est sauvée in extremis par Louise qui l’abat d’une balle de revolver. Commence alors une cavale pour les deux jeunes femmes,  rythmée par l’enquête d’un inspecteur interprété par le brillant Harvey Keitel.

Le film est très bien réalisé, très bien interprété,  très bien écrit et nous offre des paysages majestueux du début à la fin. Donc déjà rien que pour (tout) ça, c’est un incontournable et c’est un bonheur.

Mais au delà de ces qualités, le film a le mérite de mettre en scène deux protagonistes femmes, fortes (surtout Louise, Thelma prend plus de temps à s’affirmer)  et d’avoir été scénarisé par une femme, Callie Khouri, dont c’était le premier scénario.

27 ans plus tard, on peine à  voir le début du commencement d’une parité hommes/femmes dans le milieu du cinéma  et à peine la moitié des films passe le fameux test de Bechdel (l’œuvre fait intervenir deux femmes identifiables par un nom, ces deux femmes discutent entre elles, elles parlent d’autre choses que d’un personnage masculin).  Thelma & Louise a donc  été un petit OVNI dans le paysage cinéma de l’époque et reste donc depuis une figure du féminisme au cinéma et même du féminisme tout court. En outre, la fin du film est loin des codes de l’époque et constitue un véritable symbole de liberté et de libre arbitre. Cette fin a d’ailleurs été écrite en premier dans le script par la scénariste.

Mélange de buddy movie, de road movie, de film policier, de drame mais aussi de comédie ; la musique est composée par Hans Zimmer, qu’on ne présente plus.

Ce film est un très bon film, et encore mieux à voir pendant l’été car il en porte et en représente tous les codes. Il parle de l’émancipation, de la liberté, de l’escapade entre amis, de la découverte sexuelle, de l’indépendance. Il dépeint la chaleur et les grands paysages, le sable, la poussière et des voitures qui filent sur des routes qui n’en finissent pas.

 

Mathilde Labouyrie

The Dark Knight: Not the movie we deserved, but the one we needed.

The Dark Knight: Not the movie we deserved, but the one we needed.

Synopsis

Avec Batman Begins en 2005, Christopher Nolan était parvenu à réaliser l’impossible, à savoir redorer le blason du chevalier masqué sur grand écran, sept ans après le calamiteux Batman et Robin. Les nouvelles origines du mythe de l’homme chauve-souris furent convaincantes, et dès lors, la question était désormais de savoir comment le justicier Batman allait mener son combat contre le vice et la corruption de Gotham. Plus particulièrement, comment allait il gérer l’escalade de criminalité que son apparition a suscitée ?

Cette escalade est annoncée dès la fin de Batman Begins par le biais d’une carte, celle du Joker. Ainsi est la double-interrogation soulevée par The Dark Knight : le chevalier noir sera-t-il en capacité de lutter contre le chaos qui s’installe à Gotham ? Bruce Wayne parviendra-t-il à résoudre les questionnements qui le rongent concernant sa double identité ?

“Not just a movie, but an event.”

Il me tenait à cœur d’écrire sur cette œuvre dans la mesure où il s’agit très certainement d’un des films m’ayant le plus marqué. Lors de sa sortie en 2008, je n’avais pas visionné le premier opus de C.Nolan, et ne voyais en Batman qu’un super héros de série b (les dessins animés des années 2000 étant à des années lumières de la cultissime série animée de 1992 créée par B.Timm et P.Dini).

C’est alors à ce moment que la magie du septième art opère : venu avec des attentes minimales, je suis ressorti de la salle avec le sentiment que les 2h30 qui venaient de s’écouler allaient avoir un impact certain sur ma vision du cinéma. Ce terme d’impact peut paraître exagéré, mais il est en réalité entièrement justifié. De fait, outre la découverte du réalisateur Christopher Nolan (Inception, Memento, Dunkerque, Interstellar, Le Prestige …), de l’univers passionnant des comics et des autres adaptations de l’homme chauve-souris, The Dark Knight m’a permis de vivre une expérience en salle unique.

Cette expérience, c’est avant tout la découverte d’une réalisation maîtrisée de bout-en-bout, d’une bande originale des plus épiques et émouvantes, et d’un scénario et casting parfaits. La performance d’Heath Ledger demeure encore gravée dans les esprits comme l’atteste le récent I am Heath Ledger, tandis que la noirceur de certains messages et la tension constante du long-métrage viennent réellement produire une expérience, dans la mesure où l’immersion du spectateur avec le film est totale. Il faut en effet se remémorer qu’avant 2008, et ce malgré certaines exceptions notables (tel le brillant Unbreakable de M.Night.Shyamalan),  toute personne visionnant un film de super-héros était confrontée à des codes extrêmement conventionnels. Bien que le Marvel Cinematic Universe vienne les entériner dans les années 2010, parfois de façon adroite, The Dark Knight constitue encore à ce jour un véritable ovni en la matière.

Beaucoup de choses ont été dites et écrites sur la réussite de The Dark Knight. C’est pourquoi je vous propose de revenir sur la grandeur de ce film par le biais de scènes clés qui constituent son essence et contribuent à son statut de film culte. En dépit de la qualité incontestable de l’ouverture du braquage de banque, du tour de magie du Joker, de la réception au sein du penthouse Wayne, de la destruction de l’hôpital, ou encore de l’expérience sociologique des ferries (pour ne citer qu’elles), nous nous contenterons d’analyser deux scènes magistrales : Celle de l’interrogatoire entre le Joker et Batman, et la confrontation finale entre Batman, le commissaire Gordon et Harvey Dent.

Agent of Chaos

C’est en visionnant la scène de l’interrogatoire et en s’intéressant à sa conception et réalisation que l’on peut tout de suite saisir la réussite de The Dark Knight. Cette réussite est bien sûr due à la superbe écriture de C.Nolan, J.Nolan et D.S Goyer, mais doit également  à l’implication totale des acteurs sur ce projet.

De fait, cette scène, qui apparaît en milieu de film, a été tournée lors des trois premières semaines d’un tournage de sept mois ! Si cela a permis à Heath Ledger et Christian Bale de se mettre directement dans le bain, les deux acteurs étant enthousiastes à l’idée de tourner cette scène très tôt, il n’en fallait néanmoins pas un talent certain pour l’accomplir. Les performances des deux acteurs, auxquels Nolan a donné beaucoup de liberté (le coup de la tête sur le bureau n’était par exemple pas scripté, mais réalisé à la demande de Ledger) ont très certainement donné le ton pour le reste du tournage.

C’est d’ailleurs dans sa tonalité que cette scène surprend et en reste mémorable. Initialement, le spectateur peut légitimement penser que la présence du Joker dans cette salle constitue un élément de résolution : Ce dernier vient enfin d’être capturé, après avoir tenté de tuer celui qu’il pensait être Batman, à savoir Harvey Dent. Néanmoins un nouvel élément perturbateur s’interpose : Harvey n’est jamais rentré chez lui.

Batman se présente donc au Joker pour le faire parler. Alors que la tension est à son comble, la première partie de la scène est d’un calme extrême, avec deux ennemis qui se livrent un dialogue d’1min47, ou du moins, avec un Batman contraint d’écouter le monologue du Joker. Le chevalier noir est en quête de réponses, tandis que le Joker en profite pour le tester et se jouer de lui. Ce jeu repose sur l’énonciation de vérités, particulièrement difficiles à accepter, du fait qu’elles émanent d’un psychopathe. C’est ce monologue qui entérine l’idée que, pour la première fois, Batman est face à un ennemi qu’il ne pourra battre.

Ce dernier confiait plus tôt à Alfred que les criminels n’étaient pas compliqués, et qu’il fallait simplement comprendre leurs motivations.  Or, le Joker est précisément insaisissable et c’est là que réside toute sa dangerosité. Au-delà de sa folie, le Joker est parfaitement lucide sur les implications du combat de Batman : Son apparition empêche tout retour en arrière, ses méthodes l’empêchent de prétendre à être un réel symbole de justice, et son action durera tant que les forces de police n’auront pas de raisons d’en faire un paria. Inversement, avant cet échange, Batman ne dispose pas des clés lui permettant de comprendre qui est réellement le Joker : Il n’est absolument pas une ordure qui cherche à tuer pour l’argent. Il est un agent du chaos, le revers de la chauve-souris, sa parfaite Némésis, celui qui le complète.

Cette scène, avant même qu’Harvey ne bascule dans la folie, est annonciatrice de la victoire du Joker. Au moment où celui-ci révèle que Dent n’est pas le seul otage, Batman perd totalement son contrôle. Néanmoins, sa force physique ne lui procure aucun avantage sur le clown prince du crime, grand vainqueur de cet affrontement psychologique. Cette impuissance est d’ailleurs traduite à merveille par le jeu de Christian Bale, au regard décontenancé et aux mains tremblantes, ainsi que la caméra mouvante, traduisant un Batman qui cède totalement à ses pulsions.

Cette révélation de la double prise d’otage est d’autant plus surprenante qu’elle démontre la toute-puissance du Joker en tant qu’ennemi de la chauve-souris. Sans même connaître son identité, il parvient à affaiblir l’homme derrière le masque en s’en prenant à ses proches. Le Joker est alors le premier, et peut-être le seul, à ne pas voir Batman comme un être élémentaire ou un symbole terrifiant, mais comme un homme fait de chair et de sang, qui peut être blessé et donc détruit.

Outre les bons jeux de lumière, inexistante au début puis surexposée au moment de l’apparition de Batman, il convient de souligner la justesse de C.Nolan d’avoir supprimé la séquence originelle du coup de boule. Cette suppression permet de mieux laisser place à la spontanéité de Batman, qui décide de relâcher brusquement le Joker après son aveu, afin de pouvoir sauver Rachel.

En plus de démontrer l’esprit de génie du Joker, sa perversité, sa grande intelligence, sa capacité de discernement et la justesse de sa vision sur Gotham qui se confirmera dans The Dark Knight Rises, cette scène pose donc à merveille la question du combat de Batman ainsi que sa relation avec le Joker.

You either die a Hero, or you live long enough to see yourself become the Villain

Au moment où Gordon arrive pour tenter de sauver sa femme et ses enfants des griffes de Dent, ce dernier ne lui manque pas de franchise. Le lieu du kidnapping n’a rien d’anodin puisque c’est ici que Rachel a été enlevée, et qu’elle y a péri, et dans une certaine mesure que Double-face est né.

Si cette scène est tant réussie et mémorable, c’est du fait qu’elle constitue une parfaite scène de résolution. En quelques répliques, tous les enjeux du film nous sont rappelés, laissant l’occasion au spectateur de constater les échecs de chacun des protagonistes : Gordon, fautif d’avoir davantage placé sa confiance en ses équipes corrompues qu’en Harvey, demeure persuadé que cette confiance était un mal nécessaire pour vaincre la pègre. De son côté, Double-face, lucide depuis le début de son combat, cède à ses pulsions destructrices suite à la perte de sa bien-aimée.

La performance de Aaron Eckhart en est alors bouleversante. Alors qu’Harvey est dépeint tout au long du film comme l’ultime espoir de Gotham, il s’avère finalement faillible, car humain au contraire du symbole de Batman. Avec Harvey Dent, on observe le sombre reflet de Bruce Wayne : Bruce a choisi de lutter contre le crime pour venger la mort de ses parents, et de poursuivre cette quête malgré la perte du seul être qui lui donnait une chance de retirer son masque. Harvey, quant à lui, a plongé dans la haine et dans ses pires démons, convaincu que l’on ne peut être admirable et honorable en des temps détestables. Ce criminel qui s’ignorait n’a plus qu’un but ultime, se venger, clamant au commissaire qu’il est conscient du fait qu’il n’y a pour lui aucune échappatoire possible.

Arrive alors le chevalier masqué qui tente de raisonner le chevalier blanc déchu. D’aucuns pourraient souligner une facilité scénaristique, dans la mesure où Batman était potentiellement dans la capacité de neutraliser Dent et de sauver le fils de Gordon sans avoir à discuter avec l’ancien procureur de Gotham.

Cependant cela nous aurait non seulement privé du dialogue le plus émouvant du film, tout en omettant une facette clé de l’homme chauve-souris à ce moment précis. Malgré le fait que le Joker ait retourné Dent en sa faveur, prouvant que « tout ce qui différencie un fou d’une personne saine d’esprit c’est un mauvais jour » (The Killing Joke, Moore), Batman ne considère pas Harvey comme un criminel et demeure persuadé qu’il est encore possible de le sauver et de le raisonner. Mais l’excellent travail de photographie de Wally Pfister soulignait déjà fortement que le retour en arrière était impossible pour Dent. Au début de la scène, Dent a son visage dans l’ombre, dissimulant son profil gauche ravagé, sans pour autant masquer la dureté de ses traits épargnés par les flammes. Lorsqu’il est totalement mis en lumière, cela ne vient que nous confirmer qu’Harvey Dent, le meilleur d’entre eux et le réel symbole d’espoir de Gotham, est bien mort, ayant laissé sa place à Double Face. Malgré sa juste vision sur l’idée que la chauve-souris a sous-estimé l’indécence de ses ennemis et de ceux qu’il protégeait dans son combat, Dent est devenu lui-même l’agent du chaos qu’il a combattu, ne jurant que par le hasard et son prétendu caractère de justice élémentaire.

Et pourtant, en dépit de sa prétention à vouloir faire confiance à la seule chance pour juger les personnes responsables de la mort de Rachel, Dent désobéit lui-même aux règles qu’il s’était fixé. Alors que la pièce retombe du bon côté pour Batman, Harvey l’abat froidement, illustrant par cette action que sa haine a définitivement pris le dessus.  Il est à noter dans cette scène la superbe composition de James Newton Howard, Watch the World burn.

Son travail, trop souvent éclipsé par le thème plus mémorable du Why so serious aux cordes frottées insidieuses de Hans Zimmer, a pourtant été décisif dans la construction dramatique de cette interaction. Ce thème vient sublimer le dernier dialogue de Double-Face avec Gordon (dialogue qui fait directement écho à la dernière discussion entre Harvey et Rachel) tout en illustrant à merveille la victoire du Joker : les trois hommes qui se sont dressés contre lui s’en sont retrouvés brisés, et à deux doigts de s’entretuer.

Malgré leurs erreurs et défaite, C.Nolan parvient tout de même à nous rappeler subtilement que ces trois justiciers en demeurent des hommes bons : Pour aucun des trois, la pièce n’est tombée du mauvais côté…

 

Maxence Van Brussel

« Les Indestructibles II » ou comment ne pas changer une équipe qui gagne !

« Les Indestructibles II » ou comment ne pas changer une équipe qui gagne !

Incroyables Indestructibles ! Après 14 ans d’attente, et malgré la précédente réussite de Toy story 3, sorti 11 ans après Toy Story 2, la réalisation de cette suite représentait un défi de taille pour Brad Bird et le studio Pixar. Force est de constater que le pari a été réussi, avec un public qui, pour les plus âgés, a vu sa patience être dignement récompensée.

Synopsis

En 2004 nous laissions notre famille de super-héros en proie au démolisseur, qui faisait son irruption au sein de la ville. C’est au sein de cette péripétie que nous les retrouvons d’entrée, in medias res, soit d’une manière analogue à celle du premier opus.

Malgré le sauvetage des citoyens des menaces portées par Syndrome, la réinsertion des héros n’était pas encore garantie. De fait, comme le disait Rick Dicker dans le film de 2004, « Ce sera aux politiciens de faire le reste ». Or, face aux dommages causés par les Indestructibles lors de leur intervention contre le démolisseur, et à l’absence de soutien des représentants politiques, la famille Parr se doit de rester dans l’anonymat, et est donc amenée à déménager de nouveau.

With great power comes great responsibility

C’est alors que le film réussit son tour de force. Suite aux bandes-annonces, on pouvait craindre que le scénario se limite à une simple inversion des rôles de Bob et Helen, avec cette dernière reprenant son costume d’Elastigirl, tandis que Bob restait au sein du foyer à s’occuper des enfants. Si Helen reprend son costume pour des raisons similaires à celles de Bob lors du premier volet (nécessité de subvenir aux besoins de la famille dans une situation où ni Bob ni Hélène n’ont de travail) et connaît les mêmes plaisirs à redevenir une superhéroïne vedette, la reprise du costume par Helen en 2018 a son lot de différences avec celle de Mr Indestructible en 2004.

Tout d’abord, Helen a beaucoup plus de recul sur son retour en tant qu’Elastigirl. Même si elle apparaît comblée de servir de nouveau la justice, elle ne demeure pas enfermée dans le mythe de sa gloire passée comme le pouvait l’être Mr Indestructible. En outre, alors que Bob Parr avait repris du service en toute confidentialité, le couple Parr a ici chacun connaissance des rôles qu’ils ont à remplir, et notamment celui de Bob en tant que père de famille.

C’est précisément le rôle de Bob et l’équilibre scénaristique trouvé avec la vie épique d’Helen pendant une partie du film, qui font de nouveau la force de cet opus. Au-delà d’un film de super-héros « qui découvrent leur côté humain plus ordinaire », Brad Bird nous livre une fois de plus un superbe film familial aux nouveaux enjeux, suivant le fil rouge qui avait été le sien en 2004 : « l’histoire d’une famille dont chaque membre apprend à équilibrer sa vie personnelle et l’amour qu’il porte aux autres ». Outre le fait d’être un super, du fait de ses pouvoirs, Mr Indestructible se découvre en tant que « su(per)père », soit un Homme en capacité de donner le maximum pour ses enfants et son couple, malgré les difficultés rencontrées. Bob Parr est ainsi amené à gérer les premières déceptions amoureuses de Violette, alors qu’il n’est pas très adroit sur le sujet, ou encore à désapprendre tout ce qu’il avait appris concernant les maths pour aider Flèche dans ses devoirs.

Ce traitement de Bob en tant que père au foyer et d’autant plus intéressant du fait des interrogations sociologiques actuelles que soulève ce statut. Bob nous confirme la difficulté de s’adapter à cette « expérience hors normes » (Merla, 2007) de père au foyer, tout en parvenant à acquérir de nouvelles compétences et un réel pouvoir d’agir au sein de la sphère domestique. Cette acquisition de nouveaux pouvoirs d’agir, assimilable au concept anglo-saxon d’empowerment, ne se limite pas à Bob, et est au contraire extrêmement bien abordé dans le cas d’Elastigirl. La thématique de l’empowerment féminin, qui, au-delà d’Helen, concerne également Violette et Evelyn Deavor, est habilement traitée puisque cet empowerment ne tombe jamais dans les travers de bien-pensance actuels qui voudraient que la femme soit supérieure à l’Homme (en réponse au machisme et misogynie bien réels et loin d’être récents, qui posent la supposée supériorité de l’homme sur la femme.).

La figure épique d’Helen et celle de super-héros au foyer de Bob viennent nous rappeler adroitement que la femme est l’égale de l’homme, et inversement. Ce film pose en effet bien l’idée qu’au sein d’un couple ou d’un groupe social, les individus sont dotés de forces qui viennent se compléter et que ces forces ne sont jamais figées indéfiniment : Tout individu est dans la capacité d’acquérir de nouveaux savoirs, et au sein du couple, les savoirs de l’époux/épouse ne valent pas mieux que ceux de sa/son conjointe/conjoint.

Ce film nous rappelle également qu’une famille ne peut pas être réduite à un simple noyau. Au  contraire, dans l’adversité, nos proches et amis en sont de véritables membres. C’est ainsi qu’Edna est amenée à aider Bob dans la gestion des nouveaux superpouvoirs de Jack-Jack ou que Frozone est une fois de plus présent pour épauler la famille Indestructible. Il n’est d’ailleurs pas anodin que celui-ci soit affectueusement nommé « Oncle Lucius » dès le premier opus et qu’Edna s’affuble du titre de « Tante Edna » dans ce film. Dans ce cadre familial, c’est précisément la gestion de Jack-Jack et de ses superpouvoirs qui constitue l’une des grandes réussites humoristiques du film, avec notamment un affrontement des plus cocasses contre un terrible mammifère !

Une suite parfaite ?

Dès lors quels défauts peut-on amputer à cette suite ? On pourrait s’interroger sur le déménagement précipité de début de film, justifié du fait que leur maison aurait été détruite. Par qui ? Leur domicile n’étant pas situé sur le champ d’intervention du démolisseur, le spectateur pourra en déduire qu’il s’agit probablement de la destruction provoquée par Syndrome en 2004. Mais dès lors, la cohérence temporelle, qui voudrait que l’arrivée du démolisseur se fasse 3 mois après la chute de Syndrome (cf didascalies du 1er film), en prend un léger coup. Enfin, la révélation de l’antagoniste principal, sans être totalement prévisible, n’en est pas pour autant surprenante. On pouvait enfin avoir quelques craintes à l’annonce du casting français. Beaucoup d’entre nous l’ont découvert en VF, et étions friands de retrouver Amanda Lear à la baguette d’Edna Mode. C’est pourquoi, il était logique pour certains de découvrir cette suite dans la langue de Molière. Il s’avère que Gérard Lanvin, après avoir fait ses preuves avec Manny dans l’Age de glace, reprend parfaitement le flambeau du regretté Marc Alfos, décédé en 2012, tandis que Louane Emera (dont on n’oublie pas l’INCROYABLE Familles béliers, ayant prouvé l’EXCELLENCE de son jeu d’actrice…) et Timothée Vom Dorp s’en sortent correctement dans les prestations de Violette et Flèche. Enfin, il est légitime de penser que le recours au très bon comic relief de Jack Jack se fait peut-être parfois au détriment du développement de certains personnages par rapport au premier opus, et notamment Flèche.

Malgré ces légers défauts et craintes, nous nous accordons à dire que ces points relevés sont on ne peut plus minimes au vu de la grande qualité du spectacle proposé par Brad Bird.

La haine de l’antagoniste vis-à-vis des super-héros n’est par exemple pas une simple reproduction de la détestation de Syndrome. Ce dernier les haïssait du fait que leurs pouvoirs participaient à la négation de l’exceptionnalité des personnes ordinaires comme lui, tandis que pour le Screenslayer, les super-héros ne font que contribuer à la dépendance des humains vis-à-vis de l’extraordinaireté. Ses motivations sont d’autant plus intéressantes du fait qu’elles s’inscrivent dans l’idée des effets néfastes et dangereux que produisent le divertissement sur les membres de notre société. Le rôle des écrans et des médias dans cette formation d’une opinion publique docile et dépendante à cet Entertainment est parfaitement mis en lumière. Il est en effet à la fois inscrit dans la réalité de « société du spectacle » (Debord, 1967) des années 1960, tout en faisant directement écho aux phénomènes d’hyperconnexion de notre siècle.

Concernant la réalisation, celle-ci est maîtrisée et encore plus aboutie que celle du premier, du fait des évolutions technologiques et techniques. Le film demeure parfaitement inscrit dans l’univers créé en 2004. Nous quittons les années 1950 pour glisser vers les sixties aux couleurs vives et musiques vintages, tout en nous proposant une palette de personnages plus vivants que jamais, un décor encore mieux animé ne dégageant aucune impression d’immobilité, et d’excellentes prises de vues (La course-poursuite en moto et celle de l’appartement, avec par moments des prises de vue caméra à la première personne, en sont de bons exemples).

Cet ensemble, alliant parfaitement la fibre old-school de Brad Bird à certaines problématiques contemporaines, prouve une nouvelle fois que le dessin animé ne se limite pas à un genre destiné aux enfants, comme le clament certains de ses détracteurs.

Bilan

On ne peut donc que remercier Brad Bird pour ce film authentique et bien pensé, qui demeure fidèle à son univers et ses principes : 1h58 d’ambiance rétro-futurise, aux thématiques bien abordées, le tout sans céder à certains procédés des blockbusters héroïques actuels. Dès lors, une fois le générique lancé, ne restez pas sur votre siège pour attendre une quelconque scène post-générique, mais demeurez-y pour réécouter le thème culte de Michael Giacchino, et ainsi vous donner l’envie de revoir le premier opus !

 

Pierre Bosson & Maxence Van Brussel

 

L’été ciné 2018 – Film #1 : Mustang (2015)

L’été ciné 2018 – Film #1 : Mustang (2015)

C’est comme si tout avait changé en 97 min de film, dans la chaleur de l’été 2015 une claque cinématographique sur la Turquie profonde. Un drame admirablement mis en scène par Deniz Gamze Ergüven, une tragédie sur la condition féminine dans la Turquie d’Erdogan, celle loin d’Istanbul, où un bain habillé avec ses camarades d’école le dernier jour des cours est prétexte à un oncle borné et conservateur pour enfermer ses nièces orphelines.

Peu à peu prises dans le piège patriarcal qui se referme sur elles, les cinq sœurs vont dès lors tenter de braver les interdits d’un oncle dont la gradation des violences au cours d’un terrible été fait écho aux réactions des parents Lisbon dans « Virgin Suicides » de Sofia Coppola. Film résolument féministe, il réussit à faire passer son message anti-patriarcal en montrant toutes les difficultés sociales à vivre dans un village de la Turquie profonde en tant que femme adolescente et la solidarité des femmes plus vieilles vis-à-vis de leurs petites filles.

Le film frappe, tant par son sujet et par ses personnages que dans son style solaire qui parvient à rendre gloire aux cinq amazones enfermées malgré le huis clos qui leur est imposé. Seule déception du cinéphile : la bande originale timide et n’appuyant pas certaines scènes qui auraient gagnées à être soutenues par un fond musical (certaines scènes d’escapades en particulier). On pardonnera cependant au film cet écueil sûrement volontaire tant le choix de l’utilisation de musiques intra-diégétiques est justifié par la prétention de représenter le vrai.

Profondément réaliste, ce film traitant de sujets graves et douloureux a néanmoins le mérite d’avoir une certaine beauté tant dans son fond que dans sa forme. Court et intéressant, plus qu’un match de l’Equipe de France, Mustang est un film à voir ou revoir que ce soit pour son histoire touchante ou son étonnante splendeur estivale.

 

Pablo De Santiago Ravello

« Le monde est à toi » de Romain Gavras : vent de fraîcheur sur le cinéma français ?

« Le monde est à toi » de Romain Gavras : vent de fraîcheur sur le cinéma français ?

Le second long métrage du fameux fils-de, sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs, a fait son petit événement sur la croisette. Avec son casting de star et sa bande annonce efficace au son de PNL, Romain Gavras semblait vouloir rajeunir le cinéma français.

Synopsis :  François, petit dealer, a un rêve : devenir le distributeur officiel de Mr Freeze au Maghreb. Cette vie, qu’il convoite tant, vole en éclats quand il apprend que Danny, sa mère, a dépensé toutes ses économies. Poutine, le caïd lunatique de la cité, propose à François un plan en Espagne pour se refaire. Mais quand tout son entourage, Lamya son amour de jeunesse, Henri un ancien beau-père à la ramasse tout juste sorti de prison, les deux jeunes Mohamed complotistes et sa mère chef d’un gang de femmes pickpockets, s’en mêle, rien ne va se passer comme prévu !

On se laisse d’abord emporter par un divertissement agréable et accrocheur, qui porte au grand écran une esthétique YouTube ayant fait ses preuves sur le grand public (Konbini adore). L’image est léchée et la bande sonore noyée de musiques additionnelles : chanson française et rap, comme si le film voulait lier les générations, réconciliant le cinéma français traditionnel et la jeunesse. On voit ainsi par exemple Vincent Cassel bingewatcher des vidéos révélant la puissance des Illuminati sur son téléphone, source d’un running gag poussif.

En fait, le film semble rassembler les défauts des deux cultures. Il ressemble à un grand clip de rap, impressionnant et prétentieux, esthétisant et violent, mais sans aucune profondeur – impression doublée par la noyade musicale. Cassel et Adjani, quant à eux, sont d’un ridicule malheureux.  On dirait qu’ils tentent de rappeler leurs statuts à chaque seconde à l’écran, croyant porter le film par des cabotinages incessants et grotesques.

Globalement, le film se vautre dans le grotesque et le tape-à-l’oeil. A force de recherche d’efficacité et de jeunisme, il oublie toute finesse et laisse un arrière-goût grossier. On se sent un peu dans ce film comme dans un fast-food.

Le personnage principal, François, est peut-être le seul à amener un peu de complexité. Sensible et sincère, ridicule et courageux, il détonne de réalité dans ce métrage en plexiglas. L’interprète Karim Leklou essaie désespérément de lui donner de la nuance mais c’est mission presque impossible dans cette tornade bouffonne.

Loin de rajeunir le paysage cinématographique français, Le Monde ou rien paraît bien ringard et vain. Mais ces ingrédients et le mini-buzz qu’il a fait à Cannes permettent à Gavras d’espérer un sort positif en salles, après l’échec de son premier long-métrage sur la rébellion des roux.

John

« L’homme qui tua Don Quichotte » : la critique qui tua Terry Gilliam

« L’homme qui tua Don Quichotte » : la critique qui tua Terry Gilliam

Terry Gilliam est Don Quichotte. Il s’est battu durant 25 ans pour porter à l’écran l’œuvre de Cervantes : la première adaptation des années 2000 est malheureusement interrompue par le retrait de Jean Rochefort (dans le rôle de Don Quichotte), et la version finale a bien failli ne pas voir le jour à cause du producteur Paulo Branco. Pour comble d’infortune, Gilliam est victime d’un AVC avant le Festival et aurait bien pu ne pas concrétiser son projet…

Et maintenant, après 25 ans de besogne et de foire d’empoigne, Gilliam réalise son rêve. L’homme qui tua Don Quichotte a l’honneur d’être présenté hors compétition au festival de Cannes et de clôturer celui-ci. Alors, fantasme ou réalité ?

Terry Gilliam sur le tournage de « L’Homme qui tua Don Quichotte »

L’histoire est celle de Toby (Adam Driver), un réalisateur de pub qui revient sur le lieu de tournage de son film d’étudiant, une adaptation du Don Quichotte de Cervantes. Très vite, Toby est rattrapé par son passé et se confronte aux vestiges de son projet : le vieil acteur de Don Quichotte (Jonathan Pryce) est toujours possédé par son rôle et l’entraine dans une folle aventure de plus en plus surréaliste.

A travers le mythe qu’a entretenu ce projet, le film ne pouvait qu’être une référence aux multiples péripéties qu’a traversées Gilliam. Le réalisateur donne l’impression qu’il cherche davantage à adapter sa propre histoire que celle de Cervantes. Le film est par ailleurs très long (2h12) et laisse vite place à l’ennui. Pour cause, le schéma de narration est très classique (situation initiale, éléments perturbateurs, situation finale) et forme un cycle de péripéties délirantes et très prévisibles, mais dont l’enchevêtrement se révèle étouffant et assommant.

Malgré les références à sa période Monty Python, on taira l’humour grotesque qui rend le film d’une lourdeur irritante. Même le casting peine à sauver le film : Adam Driver semble ne pas être convaincu du rôle de Toby, ce qui peut se comprendre. Jonathan Pryce, quant à lui pas très attachant, nous fait regretter Jean Rochefort, le seul et unique Don Quichotte qui aurait valu le détour. Ainsi, le film est sans cesse en concurrence avec la légende de sa fabrication, et la même impression inévitable est ressentie par le spectateur : cette tentative est de trop et entache le mythe.

Le film reste néanmoins très sincère et en devient touchant. Tout d’abord à travers les nombreux clins-d’œil à la laborieuse réalisation du film, mais aussi les références à la filmographie de Gilliam. A cela s’ajoute une mise en scène fantasmagorique et hallucinante : Gilliam assimile sa folie artistique à celle de Don Quichotte, ce qui alimente le parallèle bien connu entre lui et son personnage.

Touchant oui, mais l’imaginaire de Gilliam prend un coup de vieux jusqu’à en perdre son charme, et les effets spéciaux ratés finissent par le rendre insoutenable. Finalement, il ne reste pas grand-chose à retenir du film et c’est tant mieux , car il n’aurait jamais dû quitter notre imaginaire. La légende se suffisait à elle-même. Pour les plus téméraires, le film est toujours en salle mais n’y restera pas longtemps… Le fantasme de Gilliam se termine et un festival prend fin, on espère les retrouver tous deux dans une meilleure forme !

Sebastien Charmettant

« Wildlife », portrait doux-amer d’une famille en crise

« Wildlife », portrait doux-amer d’une famille en crise

Trois tentatives, trois… La première non fructueuse, la deuxième également mais on aperçoit Paul Dano qui entre triomphalement dans la salle. La troisième tentative sera la bonne, après deux heures d’attente devant le cinéma… Alors Wildlife, premier film du jeune acteur Paul Dano, valait-il le coup ?

Paul Dano et Jake Gyllenhaal au Festival

Ils sont nombreux ces acteurs à se retrancher derrière la caméra. Après Ryan Gosling et son Lost River présenté à la sélection Un Certain Regard en 2014, Paul Dano ouvre la Semaine de la Critique 2018 avec Wildlife. Scénarisé avec sa femme Zoé Kazan et adapté du roman de Richard Ford, Wildlife rend compte de la dégradation d’un couple à travers les yeux de leur fils, Joe. Trois personnages (quatre pour la version spoiler) se partagent l’écran et produisent toute la force émotionnelle du film, car ce long-métrage brille par son casting 5 étoiles. Carey Mulligan interprète une mère à la fois rayonnante et froide, désenchantée par son mari qu’elle imaginait tout réussir. Jake Gyllenhaal est lui aussi très juste dans son rôle de père, absent et incapable de fournir à sa famille ce qu’elle attend de lui. Et au centre, un fils en détresse joué par Ed Ouxenbould, assiste impuissamment aux échecs de son père, aux réflexions de sa mère et à la séparation de ses parents qu’il croyait heureux. Paul Dano est fier de son casting et il a raison. Il les dirige avec brio dans des scènes de famille aussi touchantes que dérangeantes. On sait exactement où le film nous mène certes, mais la mère est une bombe à retardement et on attend le moment où elle craquera devant son fils, détruisant à jamais sa famille avec qui elle vivait heureuse une semaine plus tôt.

A la réalisation, Paul Dano ne prend pas de risques. Le film n’est pas très original, mais le résultat reste assez prometteur pour la suite. Sa caméra est minimaliste, chaque plan et chaque mouvement ont un sens précis. Le décor l’est aussi, l’histoire se déroulant dans le Montana des années 1960, chaque plan est une référence au peintre américain Edward Hopper. L’époque est même trop idéalisée, tout est beau et très épuré à l’écran. Le film s’inscrit dans cette vague de long-métrages indés au look carrément hipster (le film, sans surprise, était présenté au festival de Sundance). Cependant, il faut l’admettre, cela nous plait carrément !

Tout est beau certes, mais cette beauté contraste avec les nombreux défauts des personnages et le tout se confronte dans des scènes marquantes : la mère, savourant son insouciance et sa liberté retrouvée, danse chez son amant sous les yeux de son fils. Son fils qui, par conséquent, perd la liberté et l’insouciance qu’il vivait quand ses parents étaient toujours ensemble. A 14 ans, ce dernier doit prendre la responsabilité de son père parti au feu et veiller sur sa mère bipolaire.

Le film sortira sur les écrans le 19 décembre 2018 et l’ACD vous le conseille, de quoi se passer l’envie de se disputer en famille pendant les fêtes de fin d’année !

Sebastien Charmettant

 

« L’Ange », le long métrage envoutant et démoniaque de Luis Ortega

« L’Ange », le long métrage envoutant et démoniaque de Luis Ortega

Présenté cette année au festival de Cannes dans la catégorie Un Certain Regard, El Ángel (l’Ange) est un long métrage Argentin réalisé par Luis Ortega et produit par Pedro Almodóvar (rien que ça). Il s’agit d’un biopic détonant et édulcoré qui transporte dans un univers à la fois pop et kitsch qui ne peut laisser indifférent.

Dans l’Argentine du début des années 70, le jeune Carlitos, 17 ans, enchaîne les petites frappes au sein de son quartier; il vole et s’introduit dans de luxueuses propriétés dans l’innocence la plus totale. Tout cela sous le regard impuissant de ses parents qui tentent de le raisonner avec laxisme mais se laissent facilement duper par la candeur du jeune homme au visage d’ange. Cela sera sans compter sur la rencontre entre Carlitos et Ramon, un camarade de lycée dont le père, un ancien détenu, l’aide à organiser divers cambriolages et délits en tous genres.

C’est dans cet univers décalé qu’évolue ce personnage attachant, au sourire poupon et aux boucles blondes. C’est là que se cache l’aspect tant pernicieux qu’envoutant de ce film : Carlitos n’a aucunement conscience des notions de bien ou de mal, ce qui fait de lui un tueur sans merci, particulièrement brutal. La mise en scène insiste sur cette dualité ange/démon, cette gaité brutale qui semble ici être réinventée, loin de standards un peu gnangnans. Ce film s’ancre d’ailleurs dans le courant du « nouveau cinema Argentin » qui qualifie un cinema qui parle de son pays tout en adoptant des codes cinématographiques universels, pour autant détachés de considérations commerciales. Ce cinéma se développe (Juan José Campanella qui avec Dans ses yeux reçut en 2010 l’Oscar du Meilleur film étranger) mais mérite un soutien constant. Luis Ortega déplore d’ailleurs le fait que « les exploitants vont seulement projeter ceux (les films) qui rapportent de l’argent, sans rapport avec le reste. Il existe très peu de salles en dehors de celles qui sont strictement commerciales. ».

Sans omettre que ce long métrage est bel et bien un biopic. Carlos Eduardo Robledo Puch fut bien un tueur en série. Surnommé « l’ange de la mort », il est condamné à perpétuité en 1980 pour quelques 42 vols, 11 meurtres, diverses agressions et j’en passe. Puch est d’ailleurs le plus ancien détenu Argentin. Il est incarné par le jeune acteur Lorenzo Ferro, qui frappe par sa ressemblance mais aussi par son jeu, incroyablement juste et qui retranscrit très bien l’amoralité juvénile de ce malfaiteur. Luis Ortega confie justement à ce propos : « J’ai appris à choisir un enfant qui n’avait jamais joué auparavant, et à travailler avec lui, jour et nuit, jusqu’à ce qu’il ait l’apparence et la confiance d’une star de ciné. ».

En haut: Carlos Eduardo Robledo Puch lors de son arrestation. En bas: Lorenzo Ferro dans El Ángel. 

Chloé Daveux

« Heureux comme Lazzaro » : conte merveilleux ou récit sociétal?

« Heureux comme Lazzaro » : conte merveilleux ou récit sociétal?

Après Le Meraviglie (Les Merveilles) et son triomphe au festival de Cannes en 2014 (Lauréat du Grand Prix), Alice Rohrwacher réitère son expérience cannoise avec son 3ème long-métrage : Lazzaro Felice (Heureux comme Lazzaro)

Nominé pour la Palme d’or – remportée par Hirokazu Kore-eda pour Une affaire de famille– , la réalisatrice italienne est néanmoins récompensée par le Prix du scénario (ex-aequo avec Trois Visages de Jafar Panahi).

Synopsis 

Dans un hameau du fin fond de la campagne italienne (« L’Inviolata »), un groupe de paysans aux liens très étroits servent la marquise Alfonsina de Luna et sa famille. Bien que le statut de « marquise » pourrait situer le récit à des siècles de l’époque actuelle, l’histoire se déroule en réalité dans la seconde moitié du XXème siècle. Parmi ces paysans, le jeune Lazzaro, adolescent béat et simplet n’échappe pas à cette chaîne d’exploitation. Les paysans eux-mêmes abusent de son excès de bonté et d’altruisme. Lorsque Lazzaro tombe d’une falaise et se réveille – miraculeusement – des décennies plus tard, le récit s’ancre alors dans le monde moderne, avec ses chemins de fer, ses banques et sa société de consommation.

Diptyque d’un esthétisme pastoral et merveilleux, le récit oscille entre le conte de fées et la critique sociétale.

Deux époques pas si différentes…

Si le saut temporel marqué par la « fausse » mort de Lazzaro aurait pu constituer une véritable rupture entre deux époques à priori diamétralement opposées, il permet surtout de mettre en évidence les similarités entre ces deux périodes : une situation sociale au fond inchangée, la persistance d’une forme d’exploitation des plus démunis (le passage du servage à une forme d’exploitation plus moderne) et le vice humain.

En effet, la médiatisation du scandale de l’exploitation des paysans par la marquise Alfonsina de Luna aurait pu constituer les prémices d’une amélioration de leurs conditions, mais il n’en est rien. Même dans un monde moderne, l’entourage de Lazzaro est marginalisé, ouvertement et aux yeux de tous. Alice Rohrwacher ne fait bien sûr en aucun cas l’éloge d’un monde paysan. Mais à travers cette évolution, elle permet la critique du monde actuel : submergé par l’individualisme (au sens courant du terme), où les inégalités sociales persistent et s’accroissent, où la magie s’estompe, et où Lazzaro fait malheureusement figure d’intru.

Toutefois, une mutation sociale et structurelle

La réalisatrice italienne parle très justement du « passage d’un Moyen Âge matériel à un Moyen Âge humain » pour décrire l’évolution de la société italienne et de ses mentalités durant les dernières décennies. La deuxième partie du diptyque illustre ainsi l’exode rural et les crises de logement qu’a connus l’Italie des années 1950-1970. Nous pouvons voir les proches de Lazzaro s’entasser dans des habitations de fortune au bord des chemins de fer.

Ainsi, si la modernité matérielle avec l’exode rural s’est installée, les considérations humaines semblent diminuer, dans une société de plus en plus sauvage et dans laquelle les liens sociaux s’affaiblissent, là où même les anciens paysans paraissent  avoir succombé.

Par exemple, le rejet initial de Lazzaro par son entourage, lorsqu’il réapparaît des décennies plus tard, témoigne de ce processus de « déshumanisation ». Même s’il existe des raisons à ce refus, il représente à lui seul l’anéantissement et le rejet de toutes les vertus propres à l’Homme dans sa conception la plus pure : la sensibilité, la générosité, la bonté…

Lazzaro : une figure christique 

C’est par Lazzaro, un personnage simplet, que réside le tour de force réalisé par Alice Rohrwacher. A travers le regard émanant des yeux écarquillés de son personnage, la cinéaste arrive à faire ressortir les lacunes du monde moderne. Mais ce n’est pas tout. En inculquant une dimension religieuse – voire divine – à l’adolescent, elle crée un véritable antagonisme entre Lazzaro et le monde dans lequel il vit, comme s’il n’était pas à sa place. Allégorie de la bonté, Lazzaro est aux antipodes des attitudes actuelles. Il est tout sauf individualiste, il est charitable, altruiste et bon.

Ce saint, cet antihéros permet alors un éloge à la bonté – comme si rien ne pourrait alors lui arriver et qu’il serait en permanence protégé par un élément supérieur, divin – ainsi que la mise en exergue d’un individualisme croissant et d’une modernité discutable. En effet, son innocence, sa bénignité l’élève d’un point de vue moral au-dessus des hommes. Lazzaro se fait dominer mais Lazzaro ne se plaint pas et s’en sort toujours (ou presque), même lorsqu’il tombe du haut d’une falaise…

Un véritable conte merveilleux

Le point de vue précédent donne l’illusion que Lazzaro Felice n’est qu’une simple chronique sociale. Ce n’est pas le cas. Avec son esthétique bucolique et merveilleuse, Alice Rohrwacher signe un véritable conte de fées dans une première partie pleine de justesse et de maîtrise. Les nombreux plans exaltant la beauté des paysages de la campagne italienne, le personnage de Lazzaro et sa dimension christique, donnent un caractère poétique à cette réalisation et  font passer au second plan un des enjeux de cette partie : l’exploitation scandaleuse des paysans dans un monde ayant rompu avec la féodalité, et ce depuis un bon moment.

La seconde partie,  bien que s’ancrant dans le réel et s’apparentant presque à un documentaire, maintient cependant la symbolique religieuse. Comme en témoigne la scène dans laquelle Lazzaro attire majestueusement vers lui les symphonies qui retentissent dans l’Eglise, ou bien lorsqu’un loup apparaît dans la scène finale (dont la signification est floue : divinité ? symbole de solitude ?)

Bilan 

Ainsi, au premier regard, ce film peut paraître naïf et beaucoup trop simplet dans son approche de la société italienne et de ses mutations lors des dernières décennies : l’Homme s’individualise, devient ce bon gros méchant produit d’un diabolique capitalisme sauvage et de la modernité. Il n’en est rien. Ce long-métrage apporte au contraire une réelle réflexion sur le monde moderne par le prisme de ses manquements : Lazzaro et ses valeurs, Lazzaro et son comportement, Lazzaro et sa conception du monde et des gens.

Mais avant tout, Alice Rohrwacher aborde ces différentes thématiques de manière légère,  à travers un récit merveilleux et poétique dans lequel Lazzaro est le héros-prophète. Une ode à la bonté, à une manière de vivre et de considérer l’humain. Une fois le film terminé, après avoir quitté la salle obscure, on ressort avec l’impression d’avoir rêvé ; avant tout.

Pierre Bosson